A Linguagem Corporal

A linguagem corporal se refere a todas as nossas expressões a través dos movimentos, posturas ou gestos que se façam com as diferentes partes do corpo.

A ciência que estuda a linguagem corporal é conhecida como: Kinésica ou Quinésica  e o que ela faz é estudar o significado expressivo ou comunicativo dos gestos e movimentos corporais percebidos pelos sentidos visual, auditivo ou táctil, de acordo com a situação.

A linguagem corporal vem sendo estudada por muito tempo e, de acordo com a opinião de profissionais em psicologia e sociologia, detecta diferentes sentimentos e expressões que não se comunicam com palavras, mas sim com o comportamento físico.

Quando você conversa com uma pessoa, você deve saber que você não está falando só com a boca dela, mas também com o seu corpo.

A Postura Corporal

A postura que o nosso corpo adquire quando falamos com outra pessoa tem mais significado do que podemos imaginar.

A postura que tomamos pode facilitar o caminho para conquistar alguém, melhorar a nossa qualidade de expressão ou entender de maneira mais clara a quem nos acompanha.

Dentro da linguagem corporal falamos de posturas abertas ou fechadas. As primeiras são aquelas posturas onde não há barreiras como os braços ou as pernas entre um interlocutor e outros. Pelo outro lado, estão as posturas fechadas onde, por exemplo, se usam os braços cruzados para isolar ou proteger o corpo (de forma inconsciente na maioria dos casos).

Além do mais, é importante que a gente considere as posições ideais para falar de acordo ao caso, por exemplo:

*Em situações competitivas: frente a frente
*Para ajudar ou cooperar: Ao lado
*Para conversar: Em ângulo reto

Postura da cabeça

*Movimentos de lado a lado: negação.
*Movimentos para cima e para baixo: consentimento.
*Para cima: neutral ou examinador.
*Inclinada lateralmente: interesse
*Inclinada para baixo: desaprovação, atitude negativa.

Postura dos braços

*Cruzado standard: postura defensiva, também pode significar insegurança.
*Cruzados mantendo os punhos fechados: sinal de defesa e hostilidade.
*Cruzar os braços segurando os braços: sinal de restrição.

Postura das pernas

*Cruzado standard: atitude defensiva.
*Cruzado em 4 (“tipo índio americano”): concorrência, discussão.
*Cruzado estando em pé: desconforto, tensão.
*Cruzar os calcanhares: dissimular uma atitude negativa.

Considerações importantes a considerar com a linguagem corporal:

*Se você se inclina demais na direção da outra pessoa, você vai terminar invadindo seu espaço pessoal. Isto não deve ser feito quando ainda não existe muita confiança, pois você pode parecer agressivo demais.
*Os braços cruzados são um sinal. Manter os braços cruzados é um sinal de afastamento e significa que a pessoa não quer se aproximar, que não sente confiança ou que não está muito bem.
*Uma postura recolhida significa tédio.
*Manter uma posição relaxada com braços e pernas ligeiramente abertas demonstra autoconfiança e segurança.
*Se aproximar demais ou um corpo rígido pode demonstrar agressividade.
*Se mostrar com uma postura erguida é a melhor coisa a fazer quando você quer demonstrar segurança, valor e importância no que você está fazendo.
*Mãos na cintura: desafio, agressividade.
*Polegares na cintura ou bolsos: virilidade.
*Indicar com o dedo: desafio.

5 Dicas de Linguagem Corporal

1)Quando a pessoa mente seus gestos mudam: aumentam as piscadas, a mão tende a tocar o rosto (boca, nariz, orelha, olhos, cabelos), a voz simula uma tosse e fica embargada.

2)Quando existe interesse da mulher pelo homem ela libera a orelha (deixa visível), principalmente as mulheres com cabelos longos, na direção do pretendente.

3)Gestos sedutores produzidos pelas mulheres: rodear a borda da taça de vinho, quebra de pulso segurando cigarro (estou disponível), tocar-se de uma maneira geral (como quem quer dizer: “preciso de carinho”).

4)Em pé procure comunicar-se a 45º, evite ficar totalmente de frente com a outra pessoa. Em entrevista ou vendas, evite sentar-se de frente com a pessoa, procure também ficar de canto a 90º.

5)Em um casal andando na rua de mãos dadas, quem estiver com a palma da mão para trás é o dominante da relação.

            Expressões Corporais

  

                                 Origem da dança 

                                                                           











  

         Vanguardas Europeias   

As vanguardas europeias foram manifestações artístico-literárias surgidas na Europa, nas duas primeiras décadas do Século XX, e vieram provocar uma ruptura da arte moderna com a tradição cultural do século anterior.

Com o advento da tecnologia, as consequências da Revolução Industrial, a Primeira Guerra Mundiale atmosfera política que resultou destes grandes acontecimentos, surgiu um sentimento nacionalista, um progresso espantoso das grandes potências mundiais, e uma disputa pelo poder. Várias correntes ideológicas foram criadas, como o nazismo, o fascismo e o comunismo, e também com a mesma terminação “ismo” surgiram os movimentos artísticos que chamamos de vanguardas. Todos pautavam-se no mesmo objetivo, que era o questionamento, a quebra dos padrões, o protesto contra a arte conservadora, a criação de novos padrões estéticos, que fossem mais coerentes com a realidade histórica e social do século que surgia.

Estas manifestações se destacaram por sua radicalidade, a qual proporcionou que influenciassem a arte em todo o mundo.

No Brasil não poderia ser diferente, uma vez que este era o exato momento da história em que as manifestações artísticas estavam crescendo em nosso país, e que a maioria dos artistas se espelhavam nas tendências europeias, fosse para imitar-lhes, fosse para combater-lhes.

As vanguardas europeias passaram pela Literatura Brasileira deixando sua contribuição, especialmente ao somarem com a Semana de Arte Moderna e o movimento modernista, pois juntos vieram romper com a antiga estética que até então reinava em nosso país.

As cinco correntes vanguardistas que mais influenciaram o fazer literário no Brasil foram:Expressionismo, Cubismo, Futurismo, Dadaísmo e Surrealismo. 

Vejamos um pouco de cada uma delas:

Cubismo: Teve maior representatividade entre os anos de 1907 e 1914, mais especificamente na pintura. Seu propósito era decompor, fragmentar as formas geométricas. Investia na subjetividade de interpretação das obras, afirmando que um mesmo objeto poderia ser visto de vários ângulos. Na literatura, caracteriza-se pela representação de uma realidade fragmentada, que é retratada por palavras dispostas simultaneamente, com o objetivo de formar uma imagem. Os principais artistas que representaram esta vanguarda foram: Pablo Picasso, Fernand Léger, André de Lothe, Juan Gris e Georges Braque, na pintura, e Apollinaire e Cendras na literatura.

Expressionismo: Surgido em 1912, expressava a agitação e inquietação que buscava subverter a estética da época. Pela primeira vez apareceu na livraria de arte der Sturm, em Berlim, expressando, como o nome diz, a renovação cultural que já estava em curso na Alemanha e em toda a Europa. Não teve ideais claros e definidos, porém procurava transmitir ao mundo a situação do homem, com seus vícios e horrores.

Surrealismo: Esta vanguarda surgiu após a Primeira Guerra, na França, mais precisamente em 1924. Trouxe para a arte concepções freudianas, relacionadas à psicanálise. Segundo esta vanguarda, a arte deve surgir do inconsciente sem que haja interferências da razão. Trabalha frequentemente com elementos como a fantasia, o devaneio e a loucura.

Futurismo: Surgiu através do Manifesto Futurista, criado pelo italiano Tommaso Marinetti em 1909. Suas proposições eram negar o passado, o academicismo e trazer o interesse ideológico, a pesquisa, a experimentação, a técnica e a tecnologia para a arte. Marinetti pregava o desapego ao tradicionalismo, especialmente quanto à sintaxe da língua.

http://www.infoescola.com/artes/vanguardas-europeias/

Pode-se dizer que o Impressionismo foi uma tendência da arte, principalmente francesa, que dominou o fim do século passado. Investido de um realismo mais objetivo, foi uma reação ao romantismo da época. De certa forma, preparou o caminho para futuras manifestações artísticas. Revelou nomes importantes como Manet, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Edgar Degas, Boudin, Cézanne, Lautrec, Gauguin, Van Gogh e outros, na área da pintura.

Os contatos entre o público e os pintores davam-se através dos Salons – o Salão dos Recusados foi muito utilizado para mostras coletivas dos impressionistas, e nele foi exposta a tela de Édouard Manet, o célebre O Almoço Campestre, que a muitos chocou e provocou aplausos de outros tantos. Para Manet, os objetos tinham somente valor pictórico. Depois de 1870, ele adota cores claras. Este artista pode ser considerado um precursor do Impressionismo, ao lado de Jongkind e Boudin.

O termo ‘Impressionismo’ foi criado por um crítico de arte, pelo pintor e escritor Louis Leroy, em 1874, ao comentar o quadro Impressão: Nascer do Sol, de Claude Monet. Definir este movimento não é fácil, mas o artista Eugéne Boudin o resumiu como um movimento que leva a pintura à pesquisa da luz total do espaço exterior.

O mais importante para os impressionistas são os efeitos visuais, a impressão imediata da imagem, a fixação desse instante único, pois o momento seguinte será certamente diferente. O prazer de pintar ao ar livre pode ser explicado pela importância dada ao fenômeno da luz. Os adeptos desta escola usavam cores vivas e puras, justapondo-as nas telas, visando obter os meios-tons desejados, dando sempre a impressão de captar a luz refletida em superfícies naturais. As formas desaparecem, não mais se percebem os contornos, permanecendo no quadro apenas borrões de tinta.

Pau Cézanne expôs em 1874, na 1ª Mostra Impressionista, nas não pode ser considerado um típico adepto deste movimento. Suas obras-primas são as naturezas-mortas. Ele procurou fazer do Impressionismo, porém, algo sólido e duradouro, ao agregar em torno de si um importante grupo de artistas, os quais se tornariam famosos impressionistas. É também considerado um dos precursores do Cubismo.

http://www.infoescola.com/movimentos-artisticos/impressionismo/

Op Art

Op art é um termo usado para descrever a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de

ilusões de ótica.

A expressão "op-art" vem do inglês (optical art) e significa “arte ótica”. Defendia a arte "menos expressão e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída, simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém nunca o mesmo.

Os trabalhos de op art são em geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes parecem inchar ou deformar-se.

Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950, a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art; em comparação, parece excessivamente cerebral e sistemática, mais próxima das ciências do que das humanidades. Por outro lado, suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia.

O termo surgiu pela primeira vez na Time Magazine em Outubro de 1964, embora já se produzissem há alguns anos trabalhos que hoje podem ser descritos como "op art". Sugeriu-se que trabalhos de Victor Vasarely, dos anos 1930, tais como Zebra (1938), que é inteiramente composto por listas diagonais a preto e branco, curvadas de tal modo que dão a impressão tridimensional de uma zebrasentada, devem ser consideradas as primeiras obras de op art.

Características principais

O termo Op Art (abreviação inglesa para "Arte Óptica") foi empregado pela primeira vez na revista Times no ano de 1964 e designa uma derivação do expressionismo abstrato.

A Op Art brinca com nossas percepções ópticas. As cores são usadas para a criação de efeitos visuais como sobreposição, movimento e interação entre o fundo e o foco principal. Os tons vibrantes, círculos concêntricos e formas que parecem pulsar são as características mais marcantes deste estilo artístico.

Características conceituais

A razão da Op Art é a representação do movimento através da pintura apenas com a utilização de elementos gráficos. A alteração das cidades modernas e o sofrimento do homem com a alteração constante em seus ritmos de vida também são uma preocupação constante. A vida rápida das cidades contribuiu para a percepção do movimento como elemento constituinte da cultura visual do artista. Outro fator fundamental para a criação da Op Art foi a evolução da ciência, que está presente em praticamente todos os trabalhos, baseando-se principalmente nos estudos psicológicos sobre a vida moderna e da Física sobre a Óptica.

Técnica

A dinâmica da pintura na Op Art é alcançada com a oposição de estruturas idênticas que interagem umas com as outras, produzindo o efeito óptico. Diferentes níveis de iluminação também são utilizados constantemente, criando a ilusão de perspectiva. A interação de cores, baseado nos grandes contrastes (preto e branco) ou na utilização de cores complementares são a matéria prima da Op Art. A técnica "moire", aplicada no trabalho "Current", de Bridget Riley, é um bom exemplo. Nela, há a criação de um espaço móvel, produzindo um efeito denominado "whip blast" (explosão do chicote). Esta técnica, assim como a maioria das técnicas utilizadas na Op Art, exploram as possibilidades do fenômeno óptico na criação de volumes e formas virtuais.

Principais expoentes

Ad Reinhardt - Pintor americano, nascido em Nova York. Artista e teórico, Reinhardt é mais conhecido por suas pinturas em preto, que marcam sua fase artística posterior a 1960. Adepto do minimalismo, Reinhardt utilizava apenas o preto e suas variações em suas obras, rejeitando os atributos convencionais da pintura. Keneth Noland - Pintor americano, da Carolina do Norte. Noland utilizou-se em suas obras de listras e cores básicas. Ele enfatiza o plano da tela utilizando cores uniformes. Em seu trabalho, a cor é o objetivo. Seus trabalhos mais recentes abandonaram as cores básicas, usando agora cores modificadas em vários tons. Bridget Riley - pintora inglesa, associada também ao movimento Pop Art. O estilo de Riley, é marcado por listras que se sobrepõem, curvas onduladas, discos concêntricos e quadrados ou triângulos que se repetem.

Devido à organização sequencial e a relação de cores de suas obras, há a criação de sensações ópticas de ritmo nas superfícies, que parecem vibrar

Outros artistas op art dignos de nota são, por exemplo, Alexander Calder, Youri Messen-Jaschin e Victor Vasarely, sendo ele o pioneiro no aprimoramento dessa técnica.

https://pt.wikipedia.org/wiki/Op_art